SAMMLUNG 

KUNSTHALLE

ROSTOCK

BERND ALTENSTEIN

HENNING ANDERSEN

THEO BALDEN

REINHARD BUCH

REINHARD DIETRICH

WOLFGANG FRIEDRICH

WIELAND FÖRSTER

HERMANN GLÖCKNER

LUDWIG GODENSCHWEIG

RICHARD HEß

WILL LAMMERT

GERHARD MARCKS

GERHARD ROMMEL

MARGARETE SCHEEL

SIEGFRIED SCHREIBER 

KÜNSTLER:INNEN

ZEITGENÖSSISCH

NORBERT BISKY

EMMANUEL BORNSTEIN

THOMAS FLOERSCHUTZ

GREGOR HILDEBRANDT

LEIKO IKEMURA

UWE KOWSKI

CLEMENS KRAUSS

UTE MAHLER & WERNER MAHLER

MAIX MAYER

ANDREAS MÜHE

KONRAD MÜHE

RAMONA SEYFARTH

CHIHARU SHIOTA

SERGEI TCHOBAN

TANJA ZIMMERMANN

GUDRUN ARNOLD

JÖRGEN BUCH

EDITH DETTMANN

KARLHEINZ KUHN

JOACHIM SENDLER

OTTO SCHUTZMEISTER

WOLFANG SKOLUDA

CARL TIMNER

DIETER WEIDENBACH

HEINZ WODZICKA

ALLE KÜNSTLER

ZEITGENÖSSISCH

NORBERT BISKY

EMMANUEL BORNSTEIN

THOMAS FLOERSCHUTZ

GREGOR HILDEBRANDT

LEIKO IKEMURA

UWE KOWSKI

CLEMENS KRAUSS

UTE MAHLER & WERNER MAHLER

MAIX MAYER

ANDREAS MÜHE

KONRAD MÜHE

RAMONA SEYFARTH

CHIHARU SHIOTA

SERGEI TCHOBAN

TANJA ZIMMERMANN

SAMMLUNG 

KUNSTHALLE

ROSTOCK

BERND ALTENSTEIN

HENNING ANDERSEN

THEO BALDEN

REINHARD BUCH

REINHARD DIETRICH

WOLFGANG FRIEDRICH

WIELAND FÖRSTER

HERMANN GLÖCKNER

LUDWIG GODENSCHWEIG

RICHARD HEß

WILL LAMMERT

GERHARD MARCKS

GERHARD ROMMEL

SIEGFRIED SCHREIBER 

MARGARETE SCHEEL

GUDRUN ARNOLD

JÖRGEN BUCH

EDITH DETTMANN

KARLHEINZ KUHN

JOACHIM SENDLER

OTTO SCHUTZMEISTER

WOLFANG SKOLUDA

CARL TIMNER

DIETER WEIDENBACH

HEINZ WODZICKA

KUNSTSINN ÜBER MAUERN HINWEG / A SENSE FOR ART BEYOND WALLS 

Nach ihrem 50-jährigen Bestehen wird die Kunsthalle Rostock saniert und ein Teil ihrer Sammlung wandert im Rahmen dieser gemeinsam mit der Stiftung Reinbeckhallen konzipierten Ausstellung nach Berlin. Bis zum Jahr 1990 bestand die Sammlung vorwiegend aus Grafiken, Plastiken und Malerei. Der Großteil des Bestands wurde erworben oder der Sammlung durch Schenkungen von teilnehmenden Künstler:innen der Ostsee-Biennalen 1965-1996 angegliedert.  Ausgangspunkt dieser Ausstellung sind Werke aus der Sammlung der Kunsthalle Rostock, die ihre historische und künstlerische Existenz wiedergeben – Gemälde, Skulpturen, Fotografien, Möbel und die Ausstellungspräsentation. 

Die Wanderung einer symbolischen und sorgfältig ausgewählten Anzahl von Exponaten aus Rostock in den ehemaligen Industriekomplex der Stiftung Reinbeckhallen Berlin in Schöneweide nähert sich über konzeptuelle, inhaltliche und thematische Gemeinsamkeiten dem Programm der Gastinstitution an, die Werke aus ihrer eigener Sammlung gegenüberstellt. Die Präsenz der Berliner Kunstszene ist für diesen Austausch essenziell und unabdingbar, da zahlreiche Berliner Künstler:innen in den letzten Jahren an Solo- und Gruppenausstellungen in der Kunsthalle Rostock teilgenommen haben. Ergänzend hierzu ist die Verwandlung einer ehemaligen Berliner Industriehalle in eine Ausstellungshalle entscheidend für das Schaffen eines einzigartigen Parcours dieser Präsentation, in dem die Narrative in mehreren Segmenten abgebildet werden: die Darstellung des Menschen als Zentralelement in den Malereien und Plastiken von Vertretern des sozialistischen Realismus der 1960er und 1970er, bis hin zu zeitgenössischen Positionen, welche das menschliche Wesen in abstrakte Raumkompositionen verwandeln.

After 50 years of existence, the Kunsthalle Rostock is being renovated and part of its collection is going to Berlin for an exhibition curated together with the Reinbeckhallen Foundation. The collection mostly held drawings, sculptures, and paintings up until 1990. Most of the pieces were acquired or added to the collection following donations of artists who participated in the Baltic Sea Biennials from 1965-1996. As a starting point, this exhibition takes works from the Kunsthalle Rostock’s collection that reflect its historical and artistic character – paintings, sculptures, photographs, furniture, and exhibition design.

A carefully curated emblematic selection of works will be presented in the Reinbeckhallen Foundation’s former industrial complex in Schöneweide alongside pieces from the guest institution’s collection, highlighting conceptual and thematic similarities between the two programmes. The presence of Berlin’s art scene is essential to this exchange because the Kunsthalle Rostock now partly fulfills the role of the Staatliche Kunsthalle Berlin which closed in 1993. A number of Berlin artists have shown their work in solo and group exhibitions at the Kunsthalle Rostock over the past years. In addition, the former industrial building’s transformation into an exhibition space plays a central role in the unique design of the exhibition, which is divided into different segments, from paintings and sculptures from the socialist realism movement of the 1960s and 1970s, where the portrayal of humans is the main focus, through to contemporary artists who transform humans into abstract spatial compositions. 

Tereza de Arruda, curator

KUNSTSINN ÜBER MAUERN HINWEG / A SENSE FOR ART BEYOND WALLS 

Nach ihrem 50-jährigen Bestehen wird die Kunsthalle Rostock saniert und ein Teil ihrer Sammlung wandert im Rahmen dieser gemeinsam mit der Stiftung Reinbeckhallen konzipierten Ausstellung nach Berlin. Bis zum Jahr 1990 bestand die Sammlung vorwiegend aus Grafiken, Plastiken und Malerei. Der Großteil des Bestands wurde erworben oder der Sammlung durch Schenkungen von teilnehmenden Künstler:innen der Ostsee-Biennalen 1965-1996 angegliedert.  Ausgangspunkt dieser Ausstellung sind Werke aus der Sammlung der Kunsthalle Rostock, die ihre historische und künstlerische Existenz wiedergeben – Gemälde, Skulpturen, Fotografien, Möbel und die Ausstellungspräsentation. 

Die Wanderung einer symbolischen und sorgfältig ausgewählten Anzahl von Exponaten aus Rostock in den ehemaligen Industriekomplex der Stiftung Reinbeckhallen Berlin in Schöneweide nähert sich über konzeptuelle, inhaltliche und thematische Gemeinsamkeiten dem Programm der Gastinstitution an, die Werke aus ihrer eigener Sammlung gegenüberstellt. Die Präsenz der Berliner Kunstszene ist für diesen Austausch essenziell und unabdingbar, da zahlreiche Berliner Künstler:innen in den letzten Jahren an Solo- und Gruppenausstellungen in der Kunsthalle Rostock teilgenommen haben. Ergänzend hierzu ist die Verwandlung einer ehemaligen Berliner Industriehalle in eine Ausstellungshalle entscheidend für das Schaffen eines einzigartigen Parcours dieser Präsentation, in dem die Narrative in mehreren Segmenten abgebildet werden: die Darstellung des Menschen als Zentralelement in den Malereien und Plastiken von Vertretern des sozialistischen Realismus der 1960er und 1970er, bis hin zu zeitgenössischen Positionen, welche das menschliche Wesen in abstrakte Raumkompositionen verwandeln.

After 50 years of existence, the Kunsthalle Rostock is being renovated and part of its collection is going to Berlin for an exhibition curated together with the Reinbeckhallen Foundation. The collection mostly held drawings, sculptures, and paintings up until 1990. Most of the pieces were acquired or added to the collection following donations of artists who participated in the Baltic Sea Biennials from 1965-1996. As a starting point, this exhibition takes works from the Kunsthalle Rostock’s collection that reflect its historical and artistic character – paintings, sculptures, photographs, furniture, and exhibition design.

A carefully curated emblematic selection of works will be presented in the Reinbeckhallen Foundation’s former industrial complex in Schöneweide alongside pieces from the guest institution’s collection, highlighting conceptual and thematic similarities between the two programmes. The presence of Berlin’s art scene is essential to this exchange because the Kunsthalle Rostock now partly fulfills the role of the Staatliche Kunsthalle Berlin which closed in 1993. A number of Berlin artists have shown their work in solo and group exhibitions at the Kunsthalle Rostock over the past years. In addition, the former industrial building’s transformation into an exhibition space plays a central role in the unique design of the exhibition, which is divided into different segments, from paintings and sculptures from the socialist realism movement of the 1960s and 1970s, where the portrayal of humans is the main focus, through to contemporary artists who transform humans into abstract spatial compositions. 

Tereza de Arruda, curator

NORBERT BISKY

NORBERT BISKY

  • Tunnel, 2012, Öl auf Leinwand / Oil on Canvas, Sammlung Schmidt-Kubica, Courtesy Sammlung Schmidt-Kubica
  • Reveillon, 2012, Öl auf Leinwand / Oil on Canvas, in privater Sammlung, Courtesy Norbert Bisky & KÖNIG GALERIE

Norbert Biskys Kennzeichen ist die energische und farbenhafte Malerei, bewohnt von Protagonisten, die mit ihren körperlichen und dynamischen Haltungen symbiotisch mit dem Hintergrund verschmelzen. Figuration und Abstraktion werden in geschlossenen Oberflächen verdichtet dargestellt. Es ist keine treue Wiedergabe der Realität, sondern eine Auseinandersetzung mit den Bildern, die unser Verständnis von Realität formen. Der Rausch des Lebens eingetaucht in einen Rausch der Farben.

Norbert Bisky’s characteristic painting style is energetic and colourful. His canvases are inhabited by protagonists who strike dynamic poses and symbiotically merge with the background. Figuration and abstraction are densely interwoven in these unified surfaces. They are not a true reflection of reality but rather an analysis of the images that shape our understanding of reality; the frenzy of life plunged into a frenzy of colour.

  • Tunnel, 2012, Öl auf Leinwand / Oil on Canvas, Sammlung Schmidt-Kubica, Courtesy Sammlung Schmidt-Kubica
  • Reveillon, 2012, Öl auf Leinwand / Oil on Canvas, in privater Sammlung, Courtesy Norbert Bisky & KÖNIG GALERIE

Norbert Biskys Kennzeichen ist die energische und farbenhafte Malerei, bewohnt von Protagonisten, die mit ihren körperlichen und dynamischen Haltungen symbiotisch mit dem Hintergrund verschmelzen. Figuration und Abstraktion werden in geschlossenen Oberflächen verdichtet dargestellt. Es ist keine treue Wiedergabe der Realität, sondern eine Auseinandersetzung mit den Bildern, die unser Verständnis von Realität formen. Der Rausch des Lebens eingetaucht in einen Rausch der Farben.

Norbert Bisky’s characteristic painting style is energetic and colourful. His canvases are inhabited by protagonists who strike dynamic poses and symbiotically merge with the background. Figuration and abstraction are densely interwoven in these unified surfaces. They are not a true reflection of reality but rather an analysis of the images that shape our understanding of reality; the frenzy of life plunged into a frenzy of colour.

EMMANUEL BORNSTEIN

EMMANUEL BORNSTEIN

  • Untitled LIV / Untitled LVIII / Untitled XIV-II / Untitled LXV / Untitled LIII / Untitled LX / Untitled XLV / Untitled LVI / Untitled XLII / Untitled XXIII / Untitled XVIII / Untitled XXVI / Untitled XVI, 2016, Öl, Gouache, Collage Papier / Oil Guache, Collage on paper, Crone Galerie, Courtesy Crone Galerie, Emmanuel Bornstein
  • Untitled LXIX, 2017, Öl, Gouache, Collage Papier, Oil Guache, Collage on paper, Crone Galerie, Courtesy Crone Galerie, Emmanuel Bornstein
  • Untitled CXXV / Untitled CXIX/ / Untitled CXX / Untitled CXXVI, 2019, Öl, Gouache, Collage Papier, Oil Guache, Collage on paper, Courtesy Crone Galerie, Emmanuel Bornstein

In den Arbeiten von Emmanuel Bornstein werden Themen der Übertretung und die subjektiven Erfahrungen aus der unmittelbaren Betrachtung der Umgebung des Künstlers sichtbar. Collagenhaft und malerisch wirken die einzelnen Szenen und Situationen des alltäglichen Lebens, die Bornstein in Schichten aufeinanderlegt.

Emmanuel Bornstein addresses themes of transgression and subjective experience in his work, reporting directly on his surroundings and layering scenes and situations taken from daily life in a collage-like and painterly way.

  • Untitled LIV / Untitled LVIII / Untitled XIV-II / Untitled LXV / Untitled LIII / Untitled LX / Untitled XLV / Untitled LVI / Untitled XLII / Untitled XXIII / Untitled XVIII / Untitled XXVI / Untitled XVI, 2016, Öl, Gouache, Collage Papier / Oil Guache, Collage on paper, Crone Galerie, Courtesy Crone Galerie, Emmanuel Bornstein
  • Untitled LXIX, 2017, Öl, Gouache, Collage Papier, Oil Guache, Collage on paper, Crone Galerie, Courtesy Crone Galerie, Emmanuel Bornstein
  • Untitled CXXV / Untitled CXIX/ / Untitled CXX / Untitled CXXVI, 2019, Öl, Gouache, Collage Papier, Oil Guache, Collage on paper, Courtesy Crone Galerie, Emmanuel Bornstein

In den Arbeiten von Emmanuel Bornstein werden Themen der Übertretung und die subjektiven Erfahrungen aus der unmittelbaren Betrachtung der Umgebung des Künstlers sichtbar. Collagenhaft und malerisch wirken die einzelnen Szenen und Situationen des alltäglichen Lebens, die Bornstein in Schichten aufeinanderlegt.

Emmanuel Bornstein addresses themes of transgression and subjective experience in his work, reporting directly on his surroundings and layering scenes and situations taken from daily life in a collage-like and painterly way.

THOMAS FLORSCHUETZ

THOMAS FLORSCHUETZ

  • Ohne Titel (Palast) 11 / Ohne Titel (Palast) 56, 2006/2007, C-Print, facemounted (vorhanden), Courtesy DIEHL, Thomas Florschuetz

Thomas Florschuetz’ Fotografien zum Thema Palast der Republik zeigen uns Innenansichten in der Abrissphase als Ruinen, die als reine Dokumentation des symbolischen Verfalls eines Systems fungieren. Einst auch als Kulturpalast benannt und für kurze Zeit in der Abrissphase als Sitz der temporären Kunsthalle Berlin genutzt, existiert der Bau heute im Gedächtnis und in Erzählungen damaliger Besuchenden fort.

Thomas Florschuetz’s photographs show the ruins of the interiors before the building was torn down, documenting the symbolic decay of a system. Once known as the Kulturpalast (Palace of Culture) and used as the seat of the temporary Kunsthalle Berlin for a short time, the building lives on today in the memory and accounts of visitors of the time. 

  • Ohne Titel (Palast) 11 / Ohne Titel (Palast) 56, 2006/2007, C-Print, facemounted (vorhanden), Courtesy DIEHL, Thomas Florschuetz

Thomas Florschuetz’ Fotografien zum Thema Palast der Republik zeigen uns Innenansichten in der Abrissphase als Ruinen, die als reine Dokumentation des symbolischen Verfalls eines Systems fungieren. Einst auch als Kulturpalast benannt und für kurze Zeit in der Abrissphase als Sitz der temporären Kunsthalle Berlin genutzt, existiert der Bau heute im Gedächtnis und in Erzählungen damaliger Besuchenden fort.

Thomas Florschuetz’s photographs show the ruins of the interiors before the building was torn down, documenting the symbolic decay of a system. Once known as the Kulturpalast (Palace of Culture) and used as the seat of the temporary Kunsthalle Berlin for a short time, the building lives on today in the memory and accounts of visitors of the time. 

GREGOR HILDEBRANDT

GREGOR HILDEBRANDT

  • Ohne Titel (Palast) 11 / Ohne Titel (Palast) 56, 2006/2007, C-Print, facemounted (vorhanden), Courtesy DIEHL, Thomas Florschuetz

Gregor Hildebrandts Werke zeigen Spuren von analogen Datenträgern, welche die Welt komprimiert einfangen. Ihre Informationen gibt der Künstler in seiner Arbeit in einer abstrakten Formensprache wieder. Das begehbare Objekt „Das New Yorker Zimmer“ ermöglicht dem Besucher eine Immersion in die malerische Aufnahme und Wiedergabe von musikalischem Einfluss und in Elemente, die der Künstler in einer eigenen Bildsprache – wie hier die Kassettentonbandcollage– formuliert. Die visuellen Ausdrucksformen entfalten sich in der Rauminstallation angefüllt von der Resonanz eines in ein Seherlebnis verwandeltes Hörstück.

Gregor Hildebrandt’s works feature traces of analogue data carriers that capture the world in compressed form, reflecting the information they hold in an abstract formal style. The accessible object Das New Yorker Zimmer (The New York Room) immerses the viewer in a painterly recording and reproduction of musical sounds and elements which the artist crafts into a visual language by means of a collage on tape. This visual form of expression unfolds in the spatial installation, charged with the resonance of an audio piece transformed into visual experience.

  • Ohne Titel (Palast) 11 / Ohne Titel (Palast) 56, 2006/2007, C-Print, facemounted (vorhanden), Courtesy DIEHL, Thomas Florschuetz

Gregor Hildebrandts Werke zeigen Spuren von analogen Datenträgern, welche die Welt komprimiert einfangen. Ihre Informationen gibt der Künstler in seiner Arbeit in einer abstrakten Formensprache wieder. Das begehbare Objekt „Das New Yorker Zimmer“ ermöglicht dem Besucher eine Immersion in die malerische Aufnahme und Wiedergabe von musikalischem Einfluss und in Elemente, die der Künstler in einer eigenen Bildsprache – wie hier die Kassettentonbandcollage– formuliert. Die visuellen Ausdrucksformen entfalten sich in der Rauminstallation angefüllt von der Resonanz eines in ein Seherlebnis verwandeltes Hörstück.

Gregor Hildebrandt’s works feature traces of analogue data carriers that capture the world in compressed form, reflecting the information they hold in an abstract formal style. The accessible object Das New Yorker Zimmer (The New York Room) immerses the viewer in a painterly recording and reproduction of musical sounds and elements which the artist crafts into a visual language by means of a collage on tape. This visual form of expression unfolds in the spatial installation, charged with the resonance of an audio piece transformed into visual experience.

LEIKO IKEMURA

LEIKO IKEMURA

  • Hikari (Light), 2005, Öl auf Jute / Oil on Jute, Sammlung Herrrmann, Courtesy Sammlung Herrmann 
  • Liegende (grün)/Lying (Green), 1997, Terrakotta, glasiert / Terracotta, glazed, Courtesy Leiko IkemuraOhne 
  • Gesicht/Faceless ,1993/95, Bronze, patiniert/ patinated bronze, Courtesy Leiko Ikemura
  • Doppelfigur mit Vogel im Arm/ Double Figure with Bird in Arm, 1998/2002, Bronze, patiniert/ patinated bronze, Courtesy Leiko Ikemura
  • Stehende/ Standing, 1996, Terrakotta, glasiert / Terracotta, glazed, Courtesy Leiko Ikemura
  • Hasen-Säule II (Hase-Rom)/ Hare-Column II (Hare-Rome), 1992/2018, Bronze, patiniert/ patinated bronze, Courtesy Leiko Ikemura
  • Usagi-Girldouble-headed, 2018, Terrakotta, glasiert / Terracotta, glazed, Courtesy Leiko Ikemura
  • Turmwurm, 1992/2019, Gips/ Plaster, Courtesy Leiko Ikemura

Leiko Ikemura formt ihre skulpturalen Werke aus Ton und Bronze. Die Exponate zeigen liegende, stehende, liebevoll gestaltete archaische Wesen, welche menschliche Gefühle wie Zärtlichkeit, Verletzlichkeit, Einsamkeit in märchenhaften Bildmetaphern spiegeln. Die Figuren wirken wie stille Beobachter und Begleiter, vorurteilsfrei, unprätentiös, und warten auf die Begegnung mit dem Betrachtenden.

Leiko Ikemura creates sculptures from clay and bronze. Her lovingly crafted pieces represent reclining and standing archaic beings who reflect human feelings like gentleness, vulnerability and loneliness in fairytale-like visual metaphors. The figures act as silent observers and guides, free of prejudice, unpretentious, and patiently waiting to greet the viewer.

  • Hikari (Light), 2005, Öl auf Jute / Oil on Jute, Sammlung Herrrmann, Courtesy Sammlung Herrmann
  • Liegende (grün)/Lying (Green), 1997, Terrakotta, glasiert / Terracotta, glazed, Courtesy Leiko Ikemura
  • Ohne Gesicht/Faceless ,1993/95, Bronze, patiniert/ patinated bronze, Courtesy Leiko Ikemura
  • Doppelfigur mit Vogel im Arm/ Double Figure with Bird in Arm, 1998/2002, Bronze, patiniert/ patinated bronze, Courtesy Leiko Ikemura
  • Stehende/ Standing, 1996, Terrakotta, glasiert / Terracotta, glazed, Courtesy Leiko Ikemura
  • Hasen-Säule II (Hase-Rom)/ Hare-Column II (Hare-Rome), 1992/2018, Bronze, patiniert/ patinated bronze, Courtesy Leiko Ikemura
  • Usagi-Girldouble-headed, 2018, Terrakotta, glasiert / Terracotta, glazed, Courtesy Leiko Ikemura
  • Turmwurm, 1992/2019, Gips/ Plaster, Courtesy Leiko Ikemura

Leiko Ikemura formt ihre skulpturalen Werke aus Ton und Bronze. Die Exponate zeigen liegende, stehende, liebevoll gestaltete archaische Wesen, welche menschliche Gefühle wie Zärtlichkeit, Verletzlichkeit, Einsamkeit in märchenhaften Bildmetaphern spiegeln. Die Figuren wirken wie stille Beobachter und Begleiter, vorurteilsfrei, unprätentiös, und warten auf die Begegnung mit dem Betrachtenden.

Leiko Ikemura creates sculptures from clay and bronze. Her lovingly crafted pieces represent reclining and standing archaic beings who reflect human feelings like gentleness, vulnerability and loneliness in fairytale-like visual metaphors. The figures act as silent observers and guides, free of prejudice, unpretentious, and patiently waiting to greet the viewer.

UWE KOWSKI

UWE KOWSKI

  • Selbst mit Himmel, 2018, Öl auf Leinwand / Oil on Canvas, Galerie EIGEN + ART, Courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin,
  • Traube, 2019, Öl auf Leinwand / Oil on Canvas, Sammlung Kunsthalle Rostock

Uwe Kowski’s Werkgruppe von Porträts ohne Physiognomie geben das Sein und den Schein in einer dynamischen Farbkomposition wieder. Für ihn entsteht das Bild aus Intuition und Komposition, die mit Farben, Rastern und Formen in einen freien und malerischen Duktus die Leinwand erobern. Den Betrachtenden überreicht der Künstler das Erlebnis des Sehens und Erlebens.

Uwe Kowski’s series of featureless portraits depict existence and semblance by way of dynamic colour compositions. Intuition and composition create the image and take over the canvas with bold and painterly colours, grids and forms, thus transmitting the experience of seeing and living.

  • Selbst mit Himmel, 2018, Öl auf Leinwand / Oil on Canvas, Galerie EIGEN + ART, Courtesy Galerie EIGEN + ART Leipzig/Berlin,
  • Traube, 2019, Öl auf Leinwand / Oil on Canvas, Sammlung Kunsthalle Rostock

Uwe Kowski’s Werkgruppe von Porträts ohne Physiognomie geben das Sein und den Schein in einer dynamischen Farbkomposition wieder. Für ihn entsteht das Bild aus Intuition und Komposition, die mit Farben, Rastern und Formen in einen freien und malerischen Duktus die Leinwand erobern. Den Betrachtenden überreicht der Künstler das Erlebnis des Sehens und Erlebens.

Uwe Kowski’s series of featureless portraits depict existence and semblance by way of dynamic colour compositions. Intuition and composition create the image and take over the canvas with bold and painterly colours, grids and forms, thus transmitting the experience of seeing and living.

CLEMENS KRAUSS

CLEMENS KRAUSS

  • Depot, 2021, Wandtapete, Courtesy Kunsthalle Rostock, Clemens Krauss

Themen wie die Untersuchung des menschlichen Verhaltens in Krisenzeiten spielen für Clemens Krauss eine tragende Rolle, die er in der performativen Arbeit „Depot“ behandelt. Die Arbeit widmet sich der Frage, wie es dem Menschen beim Deponieren und Archivieren der eigenen Erlebnisse ergeht. In diesem Kontext realisierte Clemens Krauss 2021 die Performance „Depot“, eine psychoanalytische Sitzung im Depot beziehungsweise Lager der Kunsthalle Rostock. Dort begegnen sich die Teilnehmenden und der Künstler nicht als Patient:in und Therapeut:in, sondern als gleichberechtigte Beitragende zu einem erweiterten Verständnisprozess übergeordneter Zusammenhänge.

Themes such as the investigation of human behavior in times of crisis play a fundamental role for Clemens Krauss, which he addresses in the performative work “Depot”. The work reflects on what happens when people store and archive their own experiences. Krauss staged the performance, which took the form of a psychoanalytical session, in the warehouse of the Kunsthalle Rostock in 2021. Here, the participants and the artist met not as patient and therapist but as equals contributing to a deeper understanding of over-arching circumstances.

  • Depot, 2021, Wandtapete, Courtesy Kunsthalle Rostock, Clemens Krauss

Themen wie die Untersuchung des menschlichen Verhaltens in Krisenzeiten spielen für Clemens Krauss eine tragende Rolle, die er in der performativen Arbeit „Depot“ behandelt. Die Arbeit widmet sich der Frage, wie es dem Menschen beim Deponieren und Archivieren der eigenen Erlebnisse ergeht. In diesem Kontext realisierte Clemens Krauss 2021 die Performance „Depot“, eine psychoanalytische Sitzung im Depot beziehungsweise Lager der Kunsthalle Rostock. Dort begegnen sich die Teilnehmenden und der Künstler nicht als Patient:in und Therapeut:in, sondern als gleichberechtigte Beitragende zu einem erweiterten Verständnisprozess übergeordneter Zusammenhänge.

Themes such as the investigation of human behavior in times of crisis play a fundamental role for Clemens Krauss, which he addresses in the performative work “Depot”. The work reflects on what happens when people store and archive their own experiences. Krauss staged the performance, which took the form of a psychoanalytical session, in the warehouse of the Kunsthalle Rostock in 2021. Here, the participants and the artist met not as patient and therapist but as equals contributing to a deeper understanding of over-arching circumstances.

Ute Mahler & Werner Mahler

Ute Mahler & Werner Mahler

Kleinstadt Serie, #009 / #023 / #040/ #053 / #067 / #070 / #078 / #082 / #084 / #101 / #121 / #116 /#101 / #127 / #136, 2015 – 2018, Barytprint / Baryprint, Sammlung Kunsthalle Rostock



Die Fotografen Ute Mahler und Werner Mahler schaffen seit über 40 Jahren Momentaufnahmen in verschiedenen Werkserien aus deutsch-deutscher Geschichte. Zur DDR-Zeit zählten sie zu den stilprägenden Fotograf:innen. Durch ihre Beobachtung und humanistische Sicht auf die Welt konnte die Realität aus mehreren Perspektiven vermittelt werden. Die Bilder aus der „Kleinstadt“-Serie zeigen die Spannweite von sensiblen Porträts über alltägliches Leben bis zu soziokulturellen Gruppierungen in trivialen Darstellungen.

The photographer Ute Mahler and Werner Mahler have been creating snapshots of East-West German history for over 40 years. During the GDR, they were seen as highly influential in terms of style. Their close observation and humanist values meant they were able to present reality from multiple perspectives. The Kleinstadt (Small Town) series showcases the full range of their work, from expressive portrayals of daily life to sociocultural commentary.

  • Kleinstadt Serie, #009 / #023 / #040/ #053 / #067 / #070 / #078 / #082 / #084 / #101 / #121 / #116 /#101 / #127 / #136, 2015 – 2018, Barytprint / Baryprint, Sammlung Kunsthalle Rostock

Die Fotografen Ute Mahler und Werner Mahler schaffen seit über 40 Jahren Momentaufnahmen in verschiedenen Werkserien aus deutsch-deutscher Geschichte. Zur DDR-Zeit zählten sie zu den stilprägenden Fotograf:innen. Durch ihre Beobachtung und humanistische Sicht auf die Welt konnte die Realität aus mehreren Perspektiven vermittelt werden. Die Bilder aus der „Kleinstadt“-Serie zeigen die Spannweite von sensiblen Porträts über alltägliches Leben bis zu soziokulturellen Gruppierungen in trivialen Darstellungen.

The photographer Ute Mahler and Werner Mahler have been creating snapshots of East-West German history for over 40 years. During the GDR, they were seen as highly influential in terms of style. Their close observation and humanist values meant they were able to present reality from multiple perspectives. The Kleinstadt (Small Town) series showcases the full range of their work, from expressive portrayals of daily life to sociocultural commentary.

MAIX MAYER

MAIX MAYER

  • 24 Fotografien, Rg_03.2008/ rb_04.2008 / rg_05.2018 /rg 06.2008 / eg 06.2008/ rg 07.2008 /rg_09.2008 / rg_12.2008 / rg_14.2008 / rg_15.2008 / rg_16.2008 / rg_17.2008/ rg_19.2008 / rg _20.2008 / rg_21.2008/ rg_22.2008 / rg_23.2008 / rg_24.2008 /rg_25.2008 / rg_26.2008 / rg_27.2008/ rg_29.2008 / rg_30.2008 / rg_32.2008, gerahmt, Auflage von 3, Courtesy Galerie Eigen + Art Leipzig/Berlin, 2021
  • Plakate, Courtesy Galerie Eigen + Art Leipzig/Berlin, 2021
  • Tapete, Courtesy Galerie Eigen + Art Leipzig/Berlin, 2021



 

Maix Mayer widmet sich in seinem künstlerischen Oeuvre der Beobachtung von Bauwerken und ihrem Einfluss auf das alltägliche Leben, wie zum Beispiel in seiner Recherche über die Bauten der Ostmoderne. Die fotografische Wiedergabe einer Auswahl von Schalenbauwerken des Architekten Ulrich Müthers auf einer speziell dafür produzierten Tapete führt die Besuchenden in eine Dualität von Orten und Nicht-Orten, Nostalgie und Erbe, auf den Spuren dieses Teils der deutschen Geschichte und der Teilung Deutschlands.

Maix Mayer’s work also focuses on architecture and its influence on daily life, notably in his project on buildings of the Ostmoderne (East European Modernism). Specially produced wallpaper features photographs of shell structures designed by the architect Ulrich Müthers, creating a duality of place and non-place, nostalgia and heritage and tracing this chapter of German history and the division of the country.

  • 24 Fotografien, Rg_03.2008/ rb_04.2008 / rg_05.2018 /rg 06.2008 / eg 06.2008/ rg 07.2008 /Rg_09.2008 / rg_12.2008 / rg_14.2008 / rg_15.2008 / rg_16.2008 / rg_17.2008/ rg_19.2008 / rg _20.2008 / rg_21.2008/ rg_22.2008 / rg_23.2008 / rg_24.2008 /rg_25.2008 / rg_26.2008 / rg_27.2008/ rg_29.2008 / rg_30.2008 / rg_32.2008, gerahmt, Auflage von 3, Courtesy Galerie Eigen + Art Leipzig/Berlin, 2021
  • Plakate, Courtesy Galerie Eigen + Art Leipzig/Berlin, 2021
  • Tapete, Courtesy Galerie Eigen + Art Leipzig/Berlin, 2021

Maix Mayer widmet sich in seinem künstlerischen Oeuvre der Beobachtung von Bauwerken und ihrem Einfluss auf das alltägliche Leben, wie zum Beispiel in seiner Recherche über die Bauten der Ostmoderne. Die fotografische Wiedergabe einer Auswahl von Schalenbauwerken des Architekten Ulrich Müthers auf einer speziell dafür produzierten Tapete führt die Besuchenden in eine Dualität von Orten und Nicht-Orten, Nostalgie und Erbe, auf den Spuren dieses Teils der deutschen Geschichte und der Teilung Deutschlands.

Maix Mayer’s work also focuses on architecture and its influence on daily life, notably in his project on buildings of the Ostmoderne (East European Modernism). Specially produced wallpaper features photographs of shell structures designed by the architect Ulrich Müthers, creating a duality of place and non-place, nostalgia and heritage and tracing this chapter of German history and the division of the country.

ANDREAS MÜHE

ANDREAS MÜHE

  • Biorobot II/ III / VI, 2020, Leuchtkasten, Holz / Lightbox, Wood, Serie: Tschernobyl, Leihgaben des Künstlers, Courtesy Andreas Mühe
  • Biorobot I III / II II / III III / IV II / V II / VI II /VII II / VIII II / X III / XI, 2020 INV# 1/7 + III AP, C-Print, gerahmt / C-print, framed, Serie: Tschernobyl, Leihgaben des Künstlers, Courtesy Andreas Mühe

Die Portraits „Biorobots“ aus der “Tschernobyl”-Serie inszeniert Andreas Mühe sorgfältig. Es ist eine Hommage an die anonymen Helden, die nach der Reaktorkatastrophe in Tschernobyl ihr eigenes Leben riskierten, um die Spuren und Gefahren der Folgen des Super-GAUs von 1986 zu bereinigen. Gesichtslos in voller Montur übernehmen sie die Rolle der Übermenschen, der Roboter, die die Menschen in schwierigen Situationen ersetzen sollen. Es liegt aber doch am Menschen, das Leben im Griff zu behalten.

Andreas Mühe carefully stages his Biorobots portraits from the Tschernobyl series, which is a homage to the anonymous heroes who risked their own lives to clean up after the Chernobyl disaster of 1986. Faceless and in full uniform, they take on the role of the übermensch, of robots designed to replace humans in difficult situations. Yet, ultimately, it is our role to keep life under control.

  • Biorobot II/ III / VI, 2020, Leuchtkasten, Holz / Lightbox, Wood, Serie: Tschernobyl, Leihgaben des Künstlers, Courtesy Andreas Mühe
  • Biorobot I III / II II / III III / IV II / V II / VI II /VII II / VIII II / X III / XI, 2020 INV# 1/7 + III AP, C-Print, gerahmt / C-print, framed, Serie: Tschernobyl, Leihgaben des Künstlers, Courtesy Andreas Mühe

Die Portraits „Biorobots“ aus der “Tschernobyl”-Serie inszeniert Andreas Mühe sorgfältig. Es ist eine Hommage an die anonymen Helden, die nach der Reaktorkatastrophe in Tschernobyl ihr eigenes Leben riskierten, um die Spuren und Gefahren der Folgen des Super-GAUs von 1986 zu bereinigen. Gesichtslos in voller Montur übernehmen sie die Rolle der Übermenschen, der Roboter, die die Menschen in schwierigen Situationen ersetzen sollen. Es liegt aber doch am Menschen, das Leben im Griff zu behalten.

Andreas Mühe carefully stages his Biorobots portraits from the Tschernobyl series, which is a homage to the anonymous heroes who risked their own lives to clean up after the Chernobyl disaster of 1986. Faceless and in full uniform, they take on the role of the übermensch, of robots designed to replace humans in difficult situations. Yet, ultimately, it is our role to keep life under control.

KONRAD MÜHE

KONRAD MÜHE

  • Elizabeth, 2019, Installation, Metall verzinkt/ Galvanized Metal, Beamer, Media-Player, Video:10 min (Farbe ohne Ton, Loop), projiziert auf Plexiglasscheibe, Courtesy Konrad Mühe
  • Johannes, 2019, Installation, Metall, pulverbeschichted / Metal, powder-coated, Projektor /Projector, DVD-Player, Video: 3 min (Farbe ohne Ton, Loop), Sammlung Wemhöner, Courtesy Sammlung Wemhöner
  • Leonhardt, 2019, pulverbeschichtes Metall, Videoprojektor, DVD-Player / powder-coated metal, video projector, DVD player, Video: 4 Min. (Farbe, ohne Ton, Loop), courtesy: the artist

In seiner Werkserie erschafft Konrad Mühe „Projektionswesen“ aus industriellen Elementen wie gebogenen Metallregalen, Metallschränken und Projektoren. Die Informationen und Bilder werden gesammelt, nach Themen aussortiert, anschließend als Persönlichkeit gespeichert und von Projektoren ausgestrahlt. Jedes Objekt trägt einen Namen, der in Verbindung mit der Psyche des neuen Wesens und ihrer Haltung verknüpft wird. Die Lebenserfahrungen werden aufgeladen und den Besuchenden in einer fasten intimen Auseinandersetzung vermittelt.

Konrad Mühe builds his series of works Projektionswesen (Projection Beings) from industrial elements like bent metal shelves, metal cabinets and projectors. The information and images are collected, sorted by theme, then stored as a character and projected. Each object has a name that describes the nature of the newly created being and its perspective. Here, the artist accumulates and communicates lived experience in almost intimate dialogues.

  • Elizabeth, 2019, Installation, Metall verzinkt/ Galvanized Metal, Beamer, Media-Player, Video:10 min (Farbe ohne Ton, Loop), projiziert auf Plexiglasscheibe, Courtesy Konrad Mühe
  • Johannes, 2019, Installation, Metall, pulverbeschichted / Metal, powder-coated, Projektor /Projector, DVD-Player, Video: 3 min (Farbe ohne Ton, Loop), Sammlung Wemhöner, Courtesy Sammlung Wemhöner
  • Leonhardt, 2019, pulverbeschichtes Metall, Videoprojektor, DVD-Player / powder-coated metal, video projector, DVD player, Video: 4 Min. (Farbe, ohne Ton, Loop), courtesy: the artist

In seiner Werkserie erschafft Konrad Mühe „Projektionswesen“ aus industriellen Elementen wie gebogenen Metallregalen, Metallschränken und Projektoren. Die Informationen und Bilder werden gesammelt, nach Themen aussortiert, anschließend als Persönlichkeit gespeichert und von Projektoren ausgestrahlt. Jedes Objekt trägt einen Namen, der in Verbindung mit der Psyche des neuen Wesens und ihrer Haltung verknüpft wird. Die Lebenserfahrungen werden aufgeladen und den Besuchenden in einer fasten intimen Auseinandersetzung vermittelt.

Konrad Mühe builds his series of works Projektionswesen (Projection Beings) from industrial elements like bent metal shelves, metal cabinets and projectors. The information and images are collected, sorted by theme, then stored as a character and projected. Each object has a name that describes the nature of the newly created being and its perspective. Here, the artist accumulates and communicates lived experience in almost intimate dialogues.

RAMONA SEYFARTH

RAMONA SEYFARTH

  • 24HOURS_KVLAB_ROSTOCK_11.03.2021, 2021, Fotomontage / Photo montage, Galleryprint auf Acryl /Galleryprint on Acrylic, Leihgabe der Künstlerin, Courtesy Ramona Seyfarth
  • THE HOURS_KVLAB_ROSTOCK_11.03.2021 – 1_6 0.00-4.00, 2021, Serie 6-Teilig, Fotomontage / Photo montage, Print auf Aludibond / Print on Aludibond, Leihgabe der Künstlerin, Courtesy Ramona Seyfarth

Ramona Seyfarth agiert wie eine stille Beobachterin, eine Flaneurin, die das Geschehen mit einem bestimmten Abstand begleitet. Dafür sucht sie sich eine strategische Stelle, die ihr das Begleiten des alltäglichen Lebens in einer anonymen Art und Weise ermöglicht. Von einem sicheren Standpunkt aus und mit einem gezielten Blick nach draußen produziert sie tausende Fotos, von innen nach außen, die aneinander montiert werden. Sie dokumentieren das konstante Aufeinanderfolgen von Augenblick zu Augenblick über einen Zeitraum von jeweils 24 schlaflosen Stunden.

In her work, Ramona Seyfarth plays the role of the silent observer, a flaneur who follows what happens from a distance. In order to do this, she finds a strategic spot from which to observe daily life anonymously. From this secure position, she zones in on the outside world and takes thousands of photographs. Mounted one after the other, the photographs document how one moment follows on from the next over a period of 24 sleepless hours.

  • 24HOURS_KVLAB_ROSTOCK_11.03.2021, 2021, Fotomontage / Photo montage, Galleryprint auf Acryl /Galleryprint on Acrylic, Leihgabe der Künstlerin, Courtesy Ramona Seyfarth
  • THE HOURS_KVLAB_ROSTOCK_11.03.2021 – 1_6 0.00-4.00, 2021, Serie 6-Teilig, Fotomontage / Photo montage, Print auf Aludibond / Print on Aludibond, Leihgabe der Künstlerin, Courtesy Ramona Seyfarth

Ramona Seyfarth agiert wie eine stille Beobachterin, eine Flaneurin, die das Geschehen mit einem bestimmten Abstand begleitet. Dafür sucht sie sich eine strategische Stelle, die ihr das Begleiten des alltäglichen Lebens in einer anonymen Art und Weise ermöglicht. Von einem sicheren Standpunkt aus und mit einem gezielten Blick nach draußen produziert sie tausende Fotos, von innen nach außen, die aneinander montiert werden. Sie dokumentieren das konstante Aufeinanderfolgen von Augenblick zu Augenblick über einen Zeitraum von jeweils 24 schlaflosen Stunden.

In her work, Ramona Seyfarth plays the role of the silent observer, a flaneur who follows what happens from a distance. In order to do this, she finds a strategic spot from which to observe daily life anonymously. From this secure position, she zones in on the outside world and takes thousands of photographs. Mounted one after the other, the photographs document how one moment follows on from the next over a period of 24 sleepless hours.

CHIHARU SHIOTA

CHIHARU SHIOTA

  • Out of my Body, 2020, Installation Leder, Bronze / Leather, bronze, Courtesy Chiharu Shiota, Tempon, Paris – Bruxelles

Chiharu Shiota entfaltet mit der Arbeit „Out of my Body (Inner Universe)“ das menschliche Dasein in den offenen Raum. In einer sensiblen Art und Weise hinterlässt der Körper, bis auf die auf dem Boden stehenden Füße, wenige Spuren seiner Existenz. Die abstrakten Formen erobern den Raum als Erweiterung des Körpers. Diese spürbare Loslösung vom irdischen Leben weist einen neuen Weg im Dialog mit dem Universum. Unbekannt, aber unvermeidlich.

Chiharu Shiota’s work Out of my Body (Inner Universe) explores human existence in open space. Poignantly, the body leaves few traces of its existence apart from our feet standing on the ground. Abstract forms take over the space as an extension of the body. This tangible release from earthly life opens up new avenues for entering into dialogue with the universe – unknown yet unavoidable.

  • Out of my Body, 2020, Installation Leder, Bronze / Leather, bronze, Courtesy Chiharu Shiota, Tempon, Paris – Bruxelles

Chiharu Shiota entfaltet mit der Arbeit „Out of my Body (Inner Universe)“ das menschliche Dasein in den offenen Raum. In einer sensiblen Art und Weise hinterlässt der Körper, bis auf die auf dem Boden stehenden Füße, wenige Spuren seiner Existenz. Die abstrakten Formen erobern den Raum als Erweiterung des Körpers. Diese spürbare Loslösung vom irdischen Leben weist einen neuen Weg im Dialog mit dem Universum. Unbekannt, aber unvermeidlich.

Chiharu Shiota’s work Out of my Body (Inner Universe) explores human existence in open space. Poignantly, the body leaves few traces of its existence apart from our feet standing on the ground. Abstract forms take over the space as an extension of the body. This tangible release from earthly life opens up new avenues for entering into dialogue with the universe – unknown yet unavoidable.

SERGEI TCHOBAN

SERGEI TCHOBAN

  • Umgedrehte Stadt #1/ #2 / #3 / #4 / #5, 2020, Sepia, Aquarell, Papier / Sepia, Watercolor, Paper, Sergei Tchoban Foundation, Museum für Architekturzeichnung, Courtesy Sergei Tchoban, Leihgabe des Künstlers

“>Der russisch-deutsche Künstler und Architekt Sergei Tchoban untersucht in seinen Zeichnungen die Betrachtungsweise der Architektur auf die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft kulturreicher Städte und ihre Wirkung auf die soziodemografische Ebene der Menschheit. Die realen und imaginären Strukturen urbaner Städte oszillieren zwischen Kulissen, Utopien und massiven Bauwerken. Die für diese Ausstellung realisierten Werke aus der Serie „Umgedrehte Stadt“ beweisen die Überlebensmöglichkeiten der Menschen innerhalb einer dominanten Architektur: sei es innerhalb der monumentalen und grandiosen Proportionen der Architektur des Totalitarismus oder innerhalb unterschiedlicher neoklassischer Architektur.

The drawings of the Russian-German artist and architect Sergei Tchoban investigate the way architecture approaches the past, present and future of cultural capitals and their effect on humanity in social and demographic terms. Here, the real and imaginary structures of urban spaces oscillate between sets, utopias and huge buildings. The works created for the exhibition as part of the series Umgedrehte Stadt (Reversed City) illustrate humans’ ability to survive within the dominant architecture, be it the monumental and grandiose proportions of totalitarian architecture or different forms of neoclassical architecture.

  • Umgedrehte Stadt #1/ #2 / #3 / #4 / #5, 2020, Sepia, Aquarell, Papier / Sepia, Watercolor, Paper, Sergei Tchoban Foundation, Museum für Architekturzeichnung, Courtesy Sergei Tchoban, Leihgabe des Künstlers

“>Der russisch-deutsche Künstler und Architekt Sergei Tchoban untersucht in seinen Zeichnungen die Betrachtungsweise der Architektur auf die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft kulturreicher Städte und ihre Wirkung auf die soziodemografische Ebene der Menschheit. Die realen und imaginären Strukturen urbaner Städte oszillieren zwischen Kulissen, Utopien und massiven Bauwerken. Die für diese Ausstellung realisierten Werke aus der Serie „Umgedrehte Stadt“ beweisen die Überlebensmöglichkeiten der Menschen innerhalb einer dominanten Architektur: sei es innerhalb der monumentalen und grandiosen Proportionen der Architektur des Totalitarismus oder innerhalb unterschiedlicher neoklassischer Architektur.

The drawings of the Russian-German artist and architect Sergei Tchoban investigate the way architecture approaches the past, present and future of cultural capitals and their effect on humanity in social and demographic terms. Here, the real and imaginary structures of urban spaces oscillate between sets, utopias and huge buildings. The works created for the exhibition as part of the series Umgedrehte Stadt (Reversed City) illustrate humans’ ability to survive within the dominant architecture, be it the monumental and grandiose proportions of totalitarian architecture or different forms of neoclassical architecture.

TANJA ZIMMERMANN

TANJA ZIMMERMANN

  • Die Farben eines Tages am Meer, Bildkomposition aus 30 Werken, 2021, Mixed Media, Courtesy Tanja Zimmermann

Tanja Zimmermann begleitet mit Achtsamkeit ihre Umgebung und schafft eine malerische Narrative des Kontextes. Tagebuchartig kreiert sie eine Serie von Arbeiten auf Papier, die die Erlebnisse, Gefühle und Persönlichkeiten dokumentiert. Die Motive sind Teil eines komplexen Mosaiks, bestimmt von zarter Farbkomposition, Transparenz und Vielseitigkeit. In einer spielerischen Art und Weise schafft sie eine komplexe Momentaufnahme der eigenen Erlebnisse.

Tanja Zimmermann mindfully observes her surroundings and narrates them in painterly fashion. In a process akin to journaling, she creates series of works on paper that document experiences, feelings and characters. These elements come together to form a complex mosaic characterised by delicate colour compositions, transparency and multiplicity, playfully creating complex snapshots of the artist’s own experiences.

  • Die Farben eines Tages am Meer, Bildkomposition aus 30 Werken, 2021, Mixed Media, Courtesy Tanja Zimmermann

Tanja Zimmermann begleitet mit Achtsamkeit ihre Umgebung und schafft eine malerische Narrative des Kontextes. Tagebuchartig kreiert sie eine Serie von Arbeiten auf Papier, die die Erlebnisse, Gefühle und Persönlichkeiten dokumentiert. Die Motive sind Teil eines komplexen Mosaiks, bestimmt von zarter Farbkomposition, Transparenz und Vielseitigkeit. In einer spielerischen Art und Weise schafft sie eine komplexe Momentaufnahme der eigenen Erlebnisse.

Tanja Zimmermann mindfully observes her surroundings and narrates them in painterly fashion. In a process akin to journaling, she creates series of works on paper that document experiences, feelings and characters. These elements come together to form a complex mosaic characterised by delicate colour compositions, transparency and multiplicity, playfully creating complex snapshots of the artist’s own experiences.

Verantwortliche Stelle:

Stiftung Reinbeckhallen
Sammlung für Gegenwartskunst

Reinbeckstr. 11
12459 Berlin
Tel.: +49 (0) 30 2039 3111

info@stiftung-reinbeckhallen.de

Tel. Ausstellungseinlass: +49 160 1055910


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T.A. Art Projects
Tereza de Arruda

Ringbahnstr. 65
12099 Berlin, Germany

Tel: +49 30 2239 7886
E-Mail: arruda@p-arte.com
Internet: http://www.p-arte.com

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Tel. Ausstellungseinlass: +49 160 1055910




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